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En el diccionario de la Lengua Española, la creatividad se define como la actitud del individuo ante el mundo que le rodea, caracterizada por la capacidad de descubrir nuevas relaciones, modificar acertadamente las normas establecidas, hallar nuevas soluciones a los problemas y enfrentarse positivamente con los nuevos, contribuyendo al progreso de la realidad social.
LA CREATIVIDAD COMO NECESIDAD.
La creación artística es una función esencial del ser humano; arte y ser humano son inseparables. Se trata de una innata tendencia de la especie humana y de una necesidad de expresión, que surgen de manera instintiva, como prueban las realizaciones plásticas de los niños.
René Huyghe declara: “El arte empieza en el momento en que el hombre crea, no con un objetivo utilitario como hacen los animales, sino para representar o expresar”.
La obra de arte es un reflejo de una personalidad creadora. Leer la personalidad de un artista, a través de sus creaciones, es análogo al realizado por el psicólogo clínico, cuando trata de conocer la personalidad del paciente a través de los resultados de los test proyectivos, en los que no por casualidad, implica una actividad creativa, por los dibujos o relatos solicitados.
Kandinsky en su libro “De lo espiritual en el arte”, sostiene, que todo arte auténtico es la expresión exterior de una necesidad interior, y por tanto a una época angustiada debe corresponder un arte angustiado.
Otto Rank propuso que el arte es una forma de sobreponerse a la angustia.
La realización de una actividad artística es un proceso que conlleva plasmar las emociones, sentimientos y ansiedades que buscan encontrar una salida. Proceso en el que los deseos inconscientes del sujeto se reviven en una relación establecida con la creación de algo.
LA CREATIVIDAD Y LA FANTASIA.
Freud nos dice que el artista, como consecuencia de sus necesidades instintivas, no se acomoda a la realidad práctica, sino que se dirige al mundo de la fantasía, donde encuentra la compensación de la satisfacción directa de sus deseos como un mecanismo defensivo.
Los instintos insatisfechos son las fuerzas impulsoras de las fantasías, y cada fantasía es una satisfacción de deseos, una rectificación de la realidad insatisfactoria.
El artista retorna a la realidad teniendo conciencia de su realidad interior que intenta expresar y diferencia lo que es interno de lo que es externo. Esta es la diferencia básica entre la creatividad y el delirio.
Durante la gestación de una obra, el sujeto entra en contacto con partes de sí mismo, con emociones que no puede explorar verbalmente.
Grinberg, 1981. El acto creativo sería el eslabón final de una serie de etapas caracterizadas por frustraciones generalmente inconscientes y transitorias entre la realidad y la fantasía, estado de desorganización y reorganización.
LA CREATIVIDAD, EL SIMBOLISMO Y LA SUBLIMACIÓN.
El arte también es una actividad que favorece la comunicación y la exploración de uno mismo. La necesidad del artista es recrear lo que siente en la parte profunda del mundo interno.
Esto se realiza a través del simbolismo. El arte es la búsqueda de esta expresión simbólica. Es una paradoja que la obra del artista sea nueva y, no obstante, nazca de una urgencia de recrear o restaurar. Esta paradoja es inherente al simbolismo. Lo que es exclusivo de la creación artística es que la totalidad del acto reparador está en la creación del símbolo.
Winnicot nos dice que la creencia de vivir en forma creadora es un estado saludable y el acatamiento es una base enfermiza para la vida.
Freud, 1913. Todo arte es una tentativa de omnipotencia, el artista, al proyectar su conflicto interno en su obra, ésta viene a ser como su propio yo, y la sobreestima, lo que le da poder, valor, ayudándole a superar sus conflictos inconscientes. La producción artística genera un enriquecimiento del yo.
La obra artística es una expresión de los conflictos psíquicos infantiles. El arte se dirige al inconsciente, siendo el psicoanálisis quién explicaría tal deseo buceando en la influencia de la vida infantil del artista.
La transformación emocional primaria de la especie humana, está constituido por el proceso de la sublimación, o sea la creación de símbolos culturales que dan lugar a una realización creativa.
La sublimación es un mecanismo de defensa a través del cual reorientamos nuestras angustias a algo que resulte socialmente aceptable.
Por medio de la sublimación se logra una elevación de la capacidad de rendimiento psíquico y se entiende como una de las fuentes de la actividad artística. Se produce por medio de la formación de símbolos. Aparece el arte como una forma de transformar el sufrimiento.
La prueba de la grandeza de una obra de arte se halla en su capacidad de sublimación; en el momento en que la contemplación eleva al espectador por encima de las dimensiones de su propio yo está viviendo una experiencia similar en muchos aspectos a las del místico.
ARTISTAS Y LA REPRESENTACIÓN DE SUS EMOCIONES EN EL LIENZO
Gustav Klimt, pintor austríaco. Lo caracteriza su estilo moderno y la manera en la que logró capturar y transmitir emociones con una gran intensidad. Modernismo (Art. Nouveau)
Vemos obras cargadas de erotismo y sensualidad. Su visión de lo femenino es obsesiva, como era su relación con la sexualidad. Representaba mujeres agresivas y dominantes. Se dedicó ampliamente a otro tema que el obsesionaba, la muerte. Transmitía la esencia de la forma humana y la naturaleza de la existencia.
Eduard Munch, pintor noruego. Sus obras influyeron en el expresionismo alemán de la época. Munch expresa con su pincel las emociones y sentimientos de su mundo interno. Su obra es un referente de la representación de la angustia existencial.
La realidad no se representa fielmente, sino que se deforma para transmitir estados de ánimo, sentimientos, que pertenecen a los personajes representados, pero la mayoría de las veces al propio artista, cuyo punto de vista está determinado por sus emociones.
Salvador Dalí, pintor español. se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo. Es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas.
Para Dalí la muerte va asociada a la vida. Su nacimiento estuvo marcado por la muerte de su hermano.
Nos dice: “gracias a la paranoia, es decir, la exaltación de mí mismo, he conseguido salvarme de la anulación que me produce la duda sistemática sobre mi persona. Aprendí a vivir llenando, con mi amor por mí mismo, el vacío de un afecto que no me daban. Así vencí por primera vez a la muerte mediante el orgullo y el narcisismo.”
Dalí habla de su pintura como de una especie de catarsis mediante la cual el artista logra escapar de sus propias represiones y fobias, que de otro modo le hubiera inducido a la locura.
Para Freud, las obras de Dalí son la manifestación simbólica de sus obsesiones.
Fernando Botero, pintor colombiano. Su estilo figurativo hasta tiene nombre oficial: “el boterismo”. Es un pregonero del discurso hegemónico del goce y del exceso. Representa el volumen, imágenes deformadas, opulentas. Lo bello y lo violento confluyen. Denuncia la injusticia social, quizá también la injusticia que pueda vivir en su interior. El ojo vacío está presente en su obra, así como la carencia de expresión facial concreta. Para Botero hay cabida para un afecto completamente plano en el contexto de una relación.
Frida Kalho, pintora mejicana. Su estilo podría enmarcarse dentro del denominado surrealismo étnico. Su vida estuvo marcada por el sufrimiento físico debido a una poliomelitis en 1913. Su limitación motriz y tratamientos médicos le impidieron frecuentemente jugar con otros niños. Varios cuadros suyos reflejan la temática de la soledad en su infancia. En 1925 sufrió un grave accidente de autobús que provocó
Múltiples fracturas en su cuerpo, lo que conllevó operaciones quirúrgicas y corsés de yeso.
Betty Joseph :” parece sorprendente como la artista une en el cuadro el pasado y el presente, como representa su identidad suspendida, y el ataque sufrido a su identidad femenina. Como nos habla de su imposibilidad de confiar, después de lo vivido, desconfianza simbolizada en la ausencia de sus manos y en los brazos que van de una a otra de las Fridas, así como, en su mirada.
CONCLUSIÓN
La excelencia de un artista se puede plasmar en las técnicas de expresión y por su capacidad de transmitir sentimientos. Lo que seria transformar sentimientos en arte.
El motor principal de la creación artística son las pulsiones insatisfechas, que se expresan en cada artista de acuerdo al carácter de sus deseos incumplidos.
La obra de arte está hecha a partir de fantasías conscientes e inconscientes. Es fantasía hecha realidad.
El arte puede funcionar como estímulo privilegiado que en ciertos casos es necesario para provocar cambios en el mundo psíquico.
Aparece como una forma de transformar el sufrimiento. Se convierte lo que se lleva dentro en algo que resulta más digerible, tanto para el artista como para los demás.
Melanie Klein sugirió el arte como un reorganizador de la estructura de la mente. Wilfred Bion indicó que el arte podría ser una forma de contener las angustias.
El artista se comunica con la sociedad a través de su obra, entablando una especie de diálogo entre él y el público. El arte fomenta las reacciones emocionales en las personas que disfrutan de él.
Donal Winnicott nos dice que crear es estar vivo. Veía al arte como un medio para dar o encontrar un sentido a lo que hacemos.
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